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Para dudar de la música · El beneficio de la duda

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La música nos rodea en el tráfico, en el transporte público, gimnasio, restaurantes,
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antros, salas de conciertos y estadios masivos.
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Y tal vez ustedes como yo se han identificado con la letra de una canción o incluso han
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llorado con la música de José José.
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Pero alguna vez se han preguntado ¿Qué significa una pieza musical?
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Y si le quitamos la letra y nos quedamos con las puras notas, ¿Aún podemos hablar de
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un significado propio de la música?
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En este episodio del beneficio de la duda se encuentra con nosotros José Antonio Pardo.
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Él es académico del Departamento de Filosofía de la Universidad de Veramericana.
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Es multiinstrumentista y melómano.
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También es partidario de la tradición analítica y de la filosofía del lenguaje.
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Y desde ahí es de donde dudará de la música en este episodio.
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Bienvenido Antonio.
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Antonio estamos acostumbrados a que la música que escuchamos tenga letra o que incluso venga
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acompañada de videos musicales como el caso de gorilas o de Daft Punk por ejemplo.
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Quedó tan designificado la canción y sin embargo si nos remitimos a distintas tradiciones
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musicales que van desde cierta música académica occidental hasta el jazz instrumental, se
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puede ver una larga tradición en la que la música parece existir por sí sola.
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Sin letra incluso.
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En este sentido ¿Qué posturas hay respecto a la música?
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Su significado es externo a ella, es interno o carece de significado.
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Habría que distinguir muy claramente del fenómeno musical en cuanto tal de por ejemplo
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la letra de una canción.
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Si nos concentramos exclusivamente en el aspecto musical, insisto en el aspecto musical no
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la letra, no el video, etcétera, etcétera.
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Entonces es que ocurre esta pregunta cerca de si la música tiene un sentido, si tiene
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un significado y fundamentalmente pues hay dos posturas.
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La que sostiene que sí y la que sostiene que no.
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Esta discusión se empieza a desarrollar ya de manera explícita y académica en el siglo
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XIX por una parte estaban los defensores de lo que se llamaba la música de programa,
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por ejemplo list, y estaban por otra parte que nos defendían que en realidad la música
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por sí misma es suficientemente expresiva hasta tal punto que todos estos acompañamientos
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como la danza, la letra, etcétera, etcétera terminaban corrompiendo lo que es la esencia
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de la música.
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Esos son los términos de la discusión.
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Yo personalmente me inclino por la tradición que podemos llamar no representativista, hablabas
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acerca de esta tradición de la música instrumental, etcétera, etcétera.
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Esa es la tradición en la cual yo estoy habituado.
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La verdad es que yo no escucho música pop.
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La ópera tampoco me entusiasma demasiado.
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Yo más bien soy un escucha con su de tu dinario de la mal llamada música clásica, en realidad
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es música de concierto y del jazz.
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La pregunta es, digamos, dentro de esta tradición alguien que está habituado a escuchar esta
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clase de obra, esta la pregunta, bueno, ¿dónde radica el sentido?
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Stravinsky, por ejemplo, sostenía que en realidad la música no tiene ningún sentido,
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que no tiene ningún significado.
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Esto frente a quienes defienden que no, es que en realidad este pasaje musical está
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representando un río, o está representando un amanecer, etcétera, etcétera.
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Pues no está claro que eso sea cierto, cierta música de programa que justamente tenía
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esta pretensión de representar cosas.
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Un ejemplo es Peer Gaint de Grieg.
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Parece que era representar un amanecer y pajarillos, etcétera, etcétera.
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Pero lo cierto es que alguien puede disfrutar de la suite Peer Gaint sin evocar nada de eso.
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Uno puede perfectamente escuchar la sinfonía pastoral de Beethoven.
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Y aunque se llama un movimiento la tormenta y lo que sea, este significado exterior al
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obra musical pues es perfectamente prescindible.
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Es interesante, o sea, aquí me interesa esto que dices de entender la obra.
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¿Cuál sería el papel de la filosofía en este debate?
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Porque esta discusión, como dices, ha tomado lugar principalmente en el mundo de la música
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entre los partidarios de la música absoluta como Brahms y la música de programa como
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List y Berlioz.
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Y la música de programa es la que intenta contar una historia a partir de una imagen
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o un texto ajeno a la música como el aprendiz de Brujo de Paul Lucas y que se basó en un
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poema de Gete o por el contrario la música absoluta que existe por sí misma.
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Pero ¿cuál sería aquí el papel de la filosofía que tú trabajas en esta pregunta de cómo
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entender la obra?
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Yo defiendo esta tesis la música tiene sentido, pero este sentido no es de carácter representacional,
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es decir, la obra musical no representa nada.
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Para una sí tiene sentido.
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Justamente la pregunta por el sentido es una pregunta típicamente filosófica.
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Existe una tesis filosófica defendida por Ludwig Wittgenstein según la cual el sentido
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está asociado a la comprensión.
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Lo que se comprende es siempre el sentido, es el objeto de la comprensión.
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El tema de la comprensión es uno de los temas clásicos de la filosofía.
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Este asunto se puede enfocar si es verdad que una pieza musical se puede entender, entonces
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tiene que haber un sentido.
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Pero también a L'Inversa el fenómeno de la comprensión musical puede desafiar ciertas
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concepciones filosóficas.
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Algunas ciertas concepciones filosóficas según las cuales el estudio de los fenómenos
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psicológicos como es el de la comprensión solamente se pueden llevar a cabo desde la
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perspectiva de la tercera persona, dejando un lado por completo el tema de la primera
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persona.
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El fenómeno de la comprensión musical puede desafiar esta tesis filosófica.
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Hay un gran filósofo de la música, yo creo que el más grande filósofo de la música
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reciente que Roger Scruton, quien justamente defiende eso, dice el propio fenómeno de la
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comprensión musical nos indica que hay ciertos defectos en ciertas concepciones filosóficas
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acerca del fenómeno de la comprensión.
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Para pensar el tema de los intérpretes musicales, porque una cosa es entenderla y entonces interpretar
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la pieza.
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Entonces muchas veces se juzga la calidad de un intérprete no solo por su dominio de
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un instrumento sino por su capacidad de entender la pieza musical que está interpretando.
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Pero en el tema del intérprete, ¿qué es esto de entender la pieza musical?
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Este entendimiento de las ideas musicales de una pieza tendría que ver con la teoría
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musical por ejemplo.
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O sea, ¿qué es lo que hace que un intérprete sea un buen intérprete?
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¿Qué pasa ahí?
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¿Qué tipo de entendimiento es eso?
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O sea, lo que tú decía, no es racional, es intuitivo, es un entendimiento corporal.
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¿Y cómo percibe el oyente esto que entendió el intérprete que el oyente entiende también?
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No sé si me explico.
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Justamente este tema de la interpretación está asociado a este tema de la comprensión.
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En el ámbito del lenguaje, un criterio para averiguar si alguien comprende un lenguaje
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es ver que se puede utilizar el lenguaje de manera adecuada.
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Si una persona logra usar de manera adecuada cierta frase del español, entonces yo puedo
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juzgar, puedo concluir que esa persona entiende la frase del español.
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Ahora, ¿pero qué pasa con la música?
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Aquí no está tan claro porque el fenómeno de la interpretación tiene lugar dentro del
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parte del intérprete, es decir, del ejecutante de un instrumento, pero también del escucha.
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A final de cuentas, hay un montón de melómanos que no dominan ningún instrumento, pero sin
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embargo escuchan música y la entienden.
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Entonces aquí la cuestión es bueno porque la entienden.
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Es un tema amplísimo, pero más o menos podemos reconocer ciertos rasgos.
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No es exactamente una cosa de carácter intelectual.
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Se puede ilustrar con el caso de la música dodecafónica.
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Es un tipo de música que algunos compositores a comienzos del siglo XX empiezan a experimentar.
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La idea fundamental de esta música es que es una música en la cual no hay un centro
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tonal.
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Las doce notas que integran la escala cromática son homogéneas.
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Esto a diferencia de las escalas mayores, menores, etcétera, donde siempre hay una
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nota que tiene más importancia que las demás.
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Es decir, que cumple una función que las otras no.
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Cuando tomamos las doce notas, en realidad ninguna tiene preminencia sobre la anterior.
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Y bueno, el método de composición dodecafónica consistía esencialmente en no repetir una
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sola nota.
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Conociendo esto podría decir ya que escuché una secuencia de 11 notas, o decir, ¿Cuál
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falta?
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Pues falta Solve Moll.
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Entonces, yo entiendo que lo que sigue, la nota que sigue, Solve Moll.
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Pero en realidad esto no es una comprensión musical.
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A final de cuentas, esto es una comprensión teórica.
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Y simultáneamente una persona que no tiene ninguna noción de lenguaje tonal, es decir,
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que no tiene noción de qué es una tónica, de lo que es una dominante, una sencilla.
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Aún así, puede tener la capacidad de comprender una frase musical o comprender una secuencia
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de acordes.
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¿Por qué?
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Porque fundamentalmente las notas musicales guardan entre sí ciertas relaciones de carácter
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funcionales, según las cuales, en términos muy generales, existen ciertas secuencias
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que generan tensión y otras que generan una sensación de reposo, de resolución.
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En términos muy generales, alguien que entiende la música es alguien que de alguna manera
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sabe cuáles son las expectativas.
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A lo mejor no lo puede verbalizar, pero sin embargo, después de una secuencia de acordes,
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tiene la expectativa de un acorde que va a resolver.
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Y si no aparece ese acorde que va a resolver, puede empezar a experimentar una sensación
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de ¡A caray!
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¡A que hay algo raro!
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Los grandes compositores como Beethoven, etcétera, etcétera, son capaces de jugar con esto,
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son capaces de establecer una relación de juego con la escucha, decir ¡Ah mira, aquí
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tú estás esperando tal cosa, pero te la cambio y entonces te ofrezco esta otra, etcétera,
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etcétera!
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Pero al final de cuentas siempre se resuelve.
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De alguna manera, la comprensión musical está asociada a esto.
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Aquí uno es capaz de reconocer estas secuencias de tensión y de reposo.
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También está asociado a reconocer, por ejemplo, cuando una línea melódica sube, cuando
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baja, etcétera, etcétera.
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Y esto no es a nivel teórico.
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Una persona puede entender una frase musical o una progresión de acordes, las puede entender,
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a lo mejor sin conocer que teóricamente que es un acorde.
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Claro, claro.
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Hay que tener en cuenta que muchas personas que no entienden esto, al final de cuentas
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hay un montón de personas que a lo mejor cierta pieza no les engancha porque terminan
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juzgando, es que no le entiendo.
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Y eso pasa frecuentemente quienes están habituados a la música pop les cuesta trabajo, por ejemplo,
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entender una pieza como J.J.
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Stapps de John Coltrane.
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Le resulta caótica, no le encuentran sentido, dicen, lo único que escucho es ruido.
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No es que necesite un entrenamiento teórico, si necesita cierta habituación.
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Pero justamente es un fenómeno, es decir, es que yo no entiendo lo que está ocurriendo
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con John Coltrane.
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Una persona, pues yo sí lo entiendo, aunque no sea capaz de decir, a lo que pasa es que
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aquí está jugando con el círculo de quintas y no sé que no.
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Pero al final de cuentas es capaz de reconocer cierta direccionalidad en la música.
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Digo un anrodo teórico, pero para llegar al caso del intérprete, es que justamente
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el intérprete es alguien que es capaz de reconocer esto.
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Y también uno como escucha dice, oh, este intérprete no está entendiendo la obra.
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Es decir, este intérprete, el único que está haciendo es de manera casi telegráfica, es
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reproducir cada una de las notas, pero no logra entender hacia dónde va.
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No logra entender la direccionalidad, no logra entender el sentido.
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Entonces hay un montón de gestos de carácter expresivos que no aparecen en la ejecución.
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Empieza a ver ciertas relaciones de comprensión de segundo nivel.
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Tenemos el intérprete que comprende la obra y a su vez el escucha que comprende la comprensión
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del intérprete de la obra.
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Es una de las grandes riquezas que tiene la música de concierto, estos niveles de sofisticación
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y en los cuales está el tema de, claro, tenemos una pieza musical para muchas interpretaciones,
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que no son covers y lo mismo ocurre en el jazz.
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En el jazz tenemos un estándar y no es que el cover de Miles Davis, no, no es que no
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es un cover.
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Hay una tradición de un estándar que da lugar a la improvisación, pero también esta improvisación
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es un ejercicio de comprensión, de comprensión de quep, de comprensión justamente del estándar.
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Siempre es una riqueza, es una riqueza suplementaria la que está asociada a la interpretación.
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Sí, es bien interesante que se llame interpretación, no es un copista, no es, no está tratando
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de reproducir la obra, la está interpretando.
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Exacto, está captando el sentido, o sea tiene que captar el sentido.
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Una de las cosas que más nos gusta de la música es el ritmo, porque si bien existe un ritmo
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visual de las imágenes en el cine, por ejemplo, o un ritmo de las palabras en la poesía,
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podemos estar de acuerdo que el ritmo musical es un fenómeno muy especial, incluso para
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el cuerpo, es donde la música se vincula al cuerpo porque hasta se baila, ¿no?
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Cómo se puede pensar filosóficamente el fenómeno del ritmo que te mueve, o sea la
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relación entre música y cuerpo.
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A mí me parece que la razón por la cual resulta tan atractivo el ritmo, probablemente es lo
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primero que llama atención de la música, es lo primero que engancha.
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Creo que lo que hace es que de alguna manera organiza el tiempo.
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El tiempo es una entidad, trecomillas, un entoide demasiado abstracto, que si no se
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organiza de cierta manera genera tedio.
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Yo creo que una de las características de lo notable del ritmo es que, por eso decirlo,
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cuadricula el tiempo y al cuadricularlo, lo va organizando, entonces va generando cierta
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clase de rutina.
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Ahora, esto puede resultar paradójico, porque aparentemente dice, bueno, lo aburrido, lo
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rutinario, pero no suele suceder lo contrario, imponer ciertos límites en realidad resulta
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satisfactorio.
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La mente humana queda satisfecha cuando se le dota de cierto orden.
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Lo que hace el ritmo es eso, el ritmo es lo que hace es ordenar el tiempo.
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La música puede parecer como una especie de adorno temporal, el tiempo vacío, pues eso
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resulta tedioso, resulta aburrido muy pesado.
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En cambio, si se impone cierto patrón ritmico, que obviamente tiene sus relaciones de analogía,
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por ejemplo, el ritmo de una película que también tiene que ver con la temporalidad,
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pero también, por ejemplo, con el ritmo de un papel tapiz.
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Es decir, a final de cuentas, el papel tapiz en una presa sobre una pared o pegado sobre
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una pared, pues también lo que genera es un ritmo.
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Ahora, claro, aquí en este caso es al espacio.
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Entonces el espacio también pierde su carácter hueco, caótico y entonces queda definida cierta
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estructura.
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Entonces, a final de cuentas es eso.
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La función del ritmo en la música o incluso en el cine tiene que ver con organizar el
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tiempo, pues el tiempo sin ritmo es como un paisaje de certo.
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No hay absolutamente nada.
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En la medida en la que empieza a reconocer ciertas recurrencias en el espacio, entonces
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es que el propio espacio se va tornando en algo familiar.
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A final de cuentas, también otra cosa por la cual nos enganchamos en la música, además
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del ritmo, que es fundamental, también tiene que ver con las progresiones armónicas.
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Y esto lo que genera es cierta sensación de familiaridad que resulta agradable.
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Ahora, claro, si la familiaridad no se complementa con cierto riesgo, con cierta aventura, pues
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también termina siendo tedioso.
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Uno puede construir una canción con tres acordes, pero al cabo de tres minutos ya uno
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se aburre.
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Lo interesante es cómo uno puede empezar a jugar, tiene que empezar a experimentar,
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a explorar y claro, y ahí la sensación de volver a casa, de volver a lo familiar resulta
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todavía más gratificante.
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Pero a ver, pero la pregunta por el cuerpo, o sea, lo digo porque me resuane esto que
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dices del pulso, o sea, es que el pulso, o sea, el corazón tiene cierta percusión,
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¿no?
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Así es.
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La respiración tiene, o sea, es decir, el cuerpo también tiene sus ritmos y sus sonidos
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y no sé si conectamos con eso, por ejemplo, con los niños que hacen también repeticiones,
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¿no?
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O sea, les das una zonaja y no paran, pues, ¿no?
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O sea, hay algo que también nos satisface corporalmente porque justamente nuestro cuerpo
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también tiene un orden, como dice.
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Exactamente.
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El cuerpo tiene un ritmo y al final de cuentas, esa es la manera más natural de determinar
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el pulso y valga la expresión.
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O sea, el pulso es una expresión musical, pero obviamente también viene de…
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De la sangre.
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Exacto, es el corazón.
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Es el ativo porque al final de cuentas el corazón late de manera regular.
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Pero es el corazón, pero es el hambre también.
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Es que el cuerpo humano es un reloj.
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El tiempo está asociado al reloj.
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Para un intérprete que nos esté escuchando, sabe que siempre estamos contando.
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Cuando tú estás tocando, siempre estás contando, siempre estás contando, siempre estás contando.
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Al final de cuentas, y esto es parte del entrenamiento, es que tú mismo tienes que hacer explícito
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el hecho de que eres un reloj.
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Es que también, al final de cuentas, el ritmo de cada quien es personal.
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O sea, dos corazones no laten al unísono.
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Cada corazón tiene su propio pulso y más o menos se puede uniformar la cosa, etcétera,
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etcétera, cuando estás en un ensemble.
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Pero no solamente es el ritmo el que conecta con la corporalidad.
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Por ejemplo, para un cantante, cuando logras armonizar, es que en verdad es una sensación
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que se sienta en el cuerpo.
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Realmente, cuando tú estás vocalizando y te tocan la nota y de repente es que si sientes
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una vibración, cualquiera que esté en esto de la música sabe reconocer esta sensación
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de sí es que estoy vibrando.
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Mi propio cuerpo está vibrando como está vibrando la cuerda de la guitarra.
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Eso son fenómenos físicos, ¿no?
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Que se pueden explicar justamente en términos de Hertz y de longitudes de onda.
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Si es verdad, hay cierta vibración.
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Cuando tocas el instrumento, hay ciertos instrumentos que, por ejemplo, cuando te los tocas al cuerpo,
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dan una sensación fabulosa.
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Antonio, te agradezco muchísimo esta conversación.
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Muchas gracias por escuchar este episodio del Beneficio a la Duda.
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Es una producción de Ibero 90.9 y el Departamento de Filosofía de la Universidad Ember Americana
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de la Ciudad de México.
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La producción de este episodio estuvo a cargo de Daniel Maldonado y Ana Valencia.
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El guión es de Rodrigo Alemán.
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La postproducción es de Fernando Pérez García.
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Mi nombre es Andralo Llola Guícer.